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Jurassic Park (1993): Cuando los Dinosaurios gobernaban el cine



El multimillonario John Hammond consigue hacer realidad su sueño de clonar dinosaurios del Jurásico y crear con ellos un parque temático en una isla remota. Antes de abrirlo al público, invita a una pareja de eminentes científicos y a un matemático para que comprueben la viabilidad del proyecto.

Pero las medidas de seguridad del parque no prevén el instinto de supervivencia de la madre naturaleza ni la codicia humana. 

Fue una de las primerísimas películas que recuerdo haber visto en cine; aunque por aquel entonces no entendí en su plenitud la totalidad del argumento (me bastó con ver que había dinosaurios y que se viviría una aventura), me gustó infinitamente. 

Spielberg nos ha demostrado a lo largo de su carrera, que es el maestro por excelencia, de los efectos especiales. No ocultaré mi admiración por este director.

La película, se hizo empleando efectos generados por ordenador y animatronics (muñecos mecánicos), en una combinación perfecta que hace que nos preguntemos si es real.

Qué niño no habrá soñado alguna vez con ser Paleontólogo o ver un dinosaurio vivo después de ver ésta película?. Como ha ocurrido con “Tiburón”, Parque Jurásico no ha sido superada con los modernísimos y posteriores efectos digitales. Ni tan siquiera igualada. Es por excelencia, la película de los dinosaurios.

Si has visto Jurassic Park 2 y Jurassic Park 3 y  te han parecido demasiado fantasiosas, por eso de que los protagonistas evaden casi mágicamente a la muerte escena tras escena, ésta es tu película sobre dinosaurios.

La primera es la más realista de las 3. Además, también es la que trata más el tema de la ingeniería genética y sus implicaciones éticas.

Al contrario que sus secuelas, aquí los dinosaurios constituyen un verdadero peligro mortal. Hay tensión. Aquí no se puede jugar con ellos.

En el aspecto positivo, creo que el reparto está bastante bien escogido. 

Sam Neill será recordado eternamente como el Dr. Alan Grant, de la misma forma que Christopher Reeve será siempre el Superman de carne y hueso. 

Lo mismo se puede decir de Richard Attenborough y el personaje de John Hammond. 

La banda sonora también ha pasado a los anales de la historia del cine, aunque para mí no es ni mucho menos el mejor trabajo de John Williams.

Para algunos fue un acierto y para otros una decepción. Incluso se dice que el propio Steven Spielberg delegó gran parte de la producción de esta película, porque el director estadounidense "Midas" de Hollywood se encontraba más interesado en supervisar el rodaje de "La lista de Schindler".

Sin embargo, el resultado de "Parque Jurásico" es una grata sorpresa, ya que contiene fragmentos muy fieles al bestseller de Michael Crichton y otros de una invención más libre en los que prima el suspense y la espectacularidad, como la primera aparición del Tiranosaurus Rex.

Además, esta película conllevó una auténtica fiebre que desató la pasión por recuperar todo lo que había quedado extinguido hace 65 millones de años. Por algo será.





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Perfect Blue (1997): El Puzzle de la Identidad



Mima es la cantante de un famoso grupo musical japonés. Debido al fracaso de ventas de sus discos, su mánager decide apartarla del grupo y darle un papel en una serie de televisión. 

Mima cae entonces en una profunda depresión que la lleva a replantearse su vida y su carrera, pero su crisis se agrava cuando descubre que su vida está al alcance de cualquiera en Internet y que alguien la está vigilando.

Satoshi Kon, autor de culto dentro del mundo del anime, falleció a la temprana edad de 46 años. 

Durante su corta pero influyente carrera fue el responsable de cuatro películas y una serie de animación, las cuales siempre se situaron en la vanguardia del mundo de la animación nipona.

Propuso una visión madura y diferente de ver al medio: sus historias eran adultas, sombrías e inteligentes y estaban influenciadas por las grandes mentes de cineastas como David Lynch, Terry Gilliam o Roman Polanksi.

Esto contrastaba con el espíritu predominante en la mayor parte del mundo del anime: ofrecer una vez más la misma historia de siempre y atender más a tópicos manidos del género (el humor insulso y adolescente, las tramas románticas y que se antojan innecesarias).

En vez de preferir dar un paso adelante y preocuparse por las emociones y sentimientos, por explorar en la psique de sus personajes y ofrecer un prisma realista y desmitificado del género y la sociedad en general. 

“Perfect Blue” habla sobre eso: sobre madurar, dar un paso hacia adelante y aventurarse en terrenos desconocidos, perdiendo el temor a caer durante el camino.

Nos encontramos ante un Thriller psicológico, una película muy interesante y que no sabrás lo que pasa hasta el final. Te hace reflexionar sobre los efectos que puede causar la fama sobre los artistas y sobre la vida en general

Perfect Blue fue la primera película de animación adulta que ví en mi vida. Recuerdo que por aquel entonces tenia 17 años, y la película me impactó tanto, que cambió radicalmente mis preferencias, no sólo en el manga y el anime, sino también en el cine de imagen real. 

Esta es, quizás, una de las películas donde la realidad y la ficción son más difíciles de distinguir. Lo onírico y lo cotidiano se mezcla de una manera muy original. 

La historia trata un tema tal vez no muy tocado en las películas (el acoso a una estrella), pero sí muy común. No tiene nada que envidiarle a una superproducción de Hollywood.

Si te gustan los animes o no, eso no importa, está película es simplemente increíble, te deja con un signo de interrogación en la cabeza hasta el final.










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Delicatessen (1991): La Comunidad del Canibalismo




En un inmenso descampado, se alza un viejo edificio habitado por personas de costumbres más bien extrañas que sólo tiene una preocupación: alimentarse. El propietario es un peculiar carnicero que tiene su establecimiento en los bajos del bloque.

Hartos de pasar hambre, los inquilinos deciden liquidar a todo iluso que acepta trabajar en el edificio haciendo chapuzas varias, convirtiéndose, rápidamente en bistec a manos del despiadado carnicero local. 

Allí entonces llega un nuevo inquilino que trabaja en el circo y que alterará la vida de la excéntrica comunidad que lo habita.

Antes de ver la película sabía que iba a ser una película rara, paranoica y original. 

He de admitir que no siento una profunda admiración por el cineasta Jean Pierre Jeunet, ni por esa rama vitalista, colorida, y ensoñadora del actual cine francés, pese, y lo digo sinceramente, a valorar la originalidad, inventiva y creatividad de sus creadores.

Esta película no tiene parangón, te sumerge en otro mundo; eso sí, en un mundo de atmósfera cargada, irritante, hastiante, y ante todo, frustrante. Todo, menos el protagonista, es excéntrico, y digo más, en ocasiones esperpéntico.

Delicatessen" nos sitúa en un extraño paraje derruido de un lugar no específico y una época aún menos concreta de la Francia que todos conocemos, aún así se intuye a primer golpe de vista el marco post-apocalíptico que rodea a la historia que se nos va a contar. 

Un universo excéntrico lleno de pequeños detalles, colores vivos y una exquisita colección de sonidos. Una fantástica mezcla de géneros (ciencia ficción postapocalíptica, comedia negra y romance). Los personajes parecen sacados de un cómic, cada uno muy caricaturizado y con una personalidad rebosante.

Son grotescos, repugnantes y, para mi gusto, demasiado cómic-os. Simplemente no puedes congeniar con ellos, lo que estas presenciando es un cuento, una historia sin moraleja, demasiado rara.

Lo peor es quizá la historia... algo plana para mi gusto, intercalando momentos prodigiosos (la escena del baño inundado, los trucos de magia, las alcantarillas...) con otros algo menos llamativos. 


Jean-Pierre Jeunet siempre sorprende con su magia y su manera tan especial de hacer cine. Esta comedia negra no sólo te hace reír sino que te atrapa con sus rarezas geniales. 





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La Ley del Silencio (1954): Historia de una redención moral




Johnny Friendly (Lee J Cobb), el jefe del sindicato portuario, utiliza métodos mafiosos para controlar y explotar a los estibadores de los muelles neoyorquinos. Terry Malloy (Marlon Brando), un boxeador fracasado que trabaja para él, se ha visto involuntariamente implicado en uno de sus crímenes.

Cuando Malloy conoce a Edie Doyle (Eva Marie Saint), hermana de una víctima de Friendly, se produce en él una profunda transformación moral que lo lleva a arrepentirse de su vida pasada. A través de Edie conoce al padre Barrie (Karl Malden), que trata de animarlo para que acuda a los tribunales y cuente todo lo que sabe. 

En los años treinta el director Elia Kazan estuvo relacionado con sectores de la izquierda de Estados Unidos y perteneció al Partido Comunista. 

Años después, en la década de los cincuenta, Kazan delató a muchos de sus compañeros que, como él, habían formado parte de las filas comunistas, condenando a éstos al ostracismo profesional.

Esto siempre estigmatizó a Kazan, ya que los comentarios que se hacían sobre sus películas no se ceñían a lo cinematográfico, un poco a semejanza a lo que le ocurrió a Leni Riefensthal.
En La ley del silencio, Kazan pretende justificar su actitud ante la caza de brujas, pero solo consigue subrayar lo que tiene de mezquina, por lo que será mejor atenerse a la película en si, y cabe decir que es excelente, llena de fuerza. 

Marlon Brando hace un papel de hombre fracasado, sin identidad, sin personalidad, que se ve en la hora de tomar, posiblemente por primera vez en su vida, una decisión difícil y que afecta a muchas personas queridas.

Y lo hace francamente bien. Karl Malden y el resto del reparto acompañan muy bien, especialmente el primero. Tristemente, ella (Eva Marie Saint), para mí lo peor de la película, sobre-actúa y además de forma poco creíble. 

Mientras el protagonista recibe presiones por uno y otro lado, el resto de trabajadores del muelle es visto como una masa informe, sin voluntad, muy voluble y de fácil manejo. 

Los pocos personajes que sobresalen en medio de esa masa gris y poco combativa, gira alrededor del protagonista.

Desde Eddie (Eve Marie Saint), su novia, el padre Barry (Karl Malden) que ejerce de voz de su propia conciencia, su hermano (Rod Steiger), y el jefe del sindicato (Lee J. Cobb).

Cada vez que vuelvo a ver esta película, me encuentro con que tiene una completa vigencia, sobre todo por su intensidad dramática y por la vigencia de los tópicos que aborda. 

Este filme de Elia Kazan narra cómo se va transformando la sociedad norteamericana de cuenta de los trabajos que se realizan en los puertos: cada vez hay menos empleo; y el que hay está dado por una mafia con el nombre de sindicato que cumple sus normas bajo cláusulas de amenazas y silencio. La muerte rodea a quienes se le enfrenten.

Es una buena película, tanto por lo que la ambienta como por el desarrollo, y guarda la esperanza de ser, como suele ser en Kazan, una denuncia sobre la sociedad actual, la familia, la amistad y las políticas de la economía que nos tocó.





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Frenesí (1972): El nudo en la corbata


Richard (Jon Finch) es un tipo normal, con algunos problemas amorosos, con el alcohol y laborales. De hecho es despedido por su jefe y divaga un rato por la ciudad de Londres, primero va a visitar a su amigo Robert (Barry Foster), más tarde a su ex esposa. 

Pronto por una serie de situaciones y coincidencias, se convertirá en el principal sospechoso de unos crímenes; donde un asesino viola a sus víctimas, todas ellas mujeres, estrangulándolas después con una corbata.

No es la que más me gusta de Hitchcock, pero tampoco la consideraría una obra menor. 

“Frenesí” plantea el mismo tratamiento que otras películas del maestro, pero en un estilo particular el personaje que genera conflicto,es uno de los más perversos y astutos del universo Hitchcock. 

La mayoría de los personajes del director, tienen una inteligencia y facilidad para el lado criminal, admirable.

Sin lugar a dudas "Frenesí" es la película más sexual, erótica y atípica de la filmografía de Hitchcock. Se adentra en esta ocasión en el universo misógino propio de la mentalidad retorcida de un obsesivo enfermizo, que disfruta con el dolor femenino y que es apodado, por su modus operandi, como el "asesino de la corbata".

Además, el director nos pone a prueba con el protagonista: Un hombre amargado que, a causa de sus penurias, es impetuoso, grosero a veces y que no terminaría de agradarnos si no consiguiéramos sentir empatía hacia él.

Para lograrlo Hitchcock nos lo presenta como víctima inocente de las circunstancias, desvelando enseguida quién es el verdadero maníaco

Lo único que puedo decir es que el tratamiento e inclusión de unos personajes secundarios desvían un poco la atención, además de que resultan aburridos e innecesarios, y eso le quita fuerza al relato.

Muy recomendable para quienes gustan de aliviar la tensión con pequeñas dosis de ironía. 

Menos sugerente les resultará a los puristas del thriller, que pueden considerar equívocamente (a mi humilde entender) que es una broma más de Alfred Hitchcok.

Película sucia y agresiva, "Frenesí" es tanto puro Hitchcock (conversaciones en los bares, secretarias avinagradas, esposas de detectives, psicopatías varias) como una brillante reinvención (desnudos, sexo, erotismo explícito) de su cine. 

Como siempre el consejo final sigue siendo el mismo: si quieres suspense para eso Hitchcock. 







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Buried (2010): Ansiedad Subterránea



Un transportista americano destinado en Irak, Paul Conroy (Ryan Reynolds), es secuestrado y enterrado en un ataúd con la única ayuda de varios utensilios como un teléfono móvil o un mechero.

Desesperado y mientras se va asfixiando, se da cuenta que sólo le queda la ayuda de su país, a miles de kilómetros de donde nadie sabe que se encuentra, para pagar el rescate.

Hay que tener mucho valor para atreverse a dirigir semejante locura que muchos calificaron de irrealizable. También hay que tener en cuenta la importancia del sonido, la iluminación y el fuera de campo en un film con un solo personaje y un solo escenario.

Buried”, para mí, es un ejercicio de tensión y crítica. Tensión porque capto la desesperación e impotencia de un humilde hombre atrapado en una situación que no buscó, y que busca el remedio para salir de allí.

Es en este aspecto cuando Ryan Reynolds se transforma en Paul Conroy y sabe transmitir lo que siente su personaje, lo que es importante para un actor cuando interpreta un papel. 

Ahora es cuando se puede decir, que Ryan Reynolds si puede hacer buenos papeles porque lo acaba de demostrar.

Por otro lado, veo crítica hacia los organismos poderosos, los intereses y la violencia reinante en este mundo y lo hace de manera sutil.
 


Queda claro que la película es una crítica encubierta a la política de muchos países: un civil no tiene valor ninguno.

Todo ello rodado en un espacio reducido. La historia no necesita de más complejidad (también porque es difícil de conseguir dentro de un féretro), y se mantiene toda ella en el personaje.


Por eso, el espectador se solidariza con Paul Conroy, y sufre con él. He ahí uno de los fuertes del film: la íntima relación entre público y personaje.

Hay que tener mucha confianza y muchas ganas para hacer que una película semejante tuviera éxito. No creo que un director del montón hubiera sabido que hacer con este proyecto.

Rodrigo Cortés se la ha jugado y lo ha conseguido. Lo que significa que estamos ante un director que puede dar grandes obras para el mundo del cine, un cine al que él ha dado una vuelta de tuerca.

Como notas negativas, debo decir que la película es distraída, pero no da con el tono suficiente. Hay ciertas incongruencias (o desatinos) en el desarrollo/planteamiento de algunos diálogos.

El propio atractivo de la película (alguien encerrado en una caja), se convierte también en su inevitable limitación, y es que el guión está cargado de situaciones que intentan hacerla emocionante, tratando de que no se vuelva monótona.

Aún obviando los debates tipo "cuanto tiempo dura un mechero y la batería de un móvil” o "hasta cuando debería durar el oxigeno", la película cuenta con algunas escenas ridículas, totalmente gratuitas, y sin nada que aportar a la trama. 

Además, sobran momentos demasiado facilones, que buscan la lágrima inmediata en el espectador.


No obstante, “Buried” es una demostración de que hacer buenas películas no depende únicamente de un enorme presupuesto o un larguísimo elenco de actores; sino de que con poca cosa y mucha imaginación se puede hacer una película notable.  
¿Por qué será que este tipo de proyectos siempre resultan satisfactorios?, puede que la escasez de ideas nos haga idolatrar todo lo que rompa la norma, o que de verdad sean ideas dignas de ensalzar.







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