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Perfect Blue (1997): El Puzzle de la Identidad



Mima es la cantante de un famoso grupo musical japonés. Debido al fracaso de ventas de sus discos, su mánager decide apartarla del grupo y darle un papel en una serie de televisión. 

Mima cae entonces en una profunda depresión que la lleva a replantearse su vida y su carrera, pero su crisis se agrava cuando descubre que su vida está al alcance de cualquiera en Internet y que alguien la está vigilando.

Satoshi Kon, autor de culto dentro del mundo del anime, falleció a la temprana edad de 46 años. 

Durante su corta pero influyente carrera fue el responsable de cuatro películas y una serie de animación, las cuales siempre se situaron en la vanguardia del mundo de la animación nipona.

Propuso una visión madura y diferente de ver al medio: sus historias eran adultas, sombrías e inteligentes y estaban influenciadas por las grandes mentes de cineastas como David Lynch, Terry Gilliam o Roman Polanksi.

Esto contrastaba con el espíritu predominante en la mayor parte del mundo del anime: ofrecer una vez más la misma historia de siempre y atender más a tópicos manidos del género (el humor insulso y adolescente, las tramas románticas y que se antojan innecesarias).

En vez de preferir dar un paso adelante y preocuparse por las emociones y sentimientos, por explorar en la psique de sus personajes y ofrecer un prisma realista y desmitificado del género y la sociedad en general. 

“Perfect Blue” habla sobre eso: sobre madurar, dar un paso hacia adelante y aventurarse en terrenos desconocidos, perdiendo el temor a caer durante el camino.

Nos encontramos ante un Thriller psicológico, una película muy interesante y que no sabrás lo que pasa hasta el final. Te hace reflexionar sobre los efectos que puede causar la fama sobre los artistas y sobre la vida en general

Perfect Blue fue la primera película de animación adulta que ví en mi vida. Recuerdo que por aquel entonces tenia 17 años, y la película me impactó tanto, que cambió radicalmente mis preferencias, no sólo en el manga y el anime, sino también en el cine de imagen real. 

Esta es, quizás, una de las películas donde la realidad y la ficción son más difíciles de distinguir. Lo onírico y lo cotidiano se mezcla de una manera muy original. 

La historia trata un tema tal vez no muy tocado en las películas (el acoso a una estrella), pero sí muy común. No tiene nada que envidiarle a una superproducción de Hollywood.

Si te gustan los animes o no, eso no importa, está película es simplemente increíble, te deja con un signo de interrogación en la cabeza hasta el final.










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Delicatessen (1991): La Comunidad del Canibalismo




En un inmenso descampado, se alza un viejo edificio habitado por personas de costumbres más bien extrañas que sólo tiene una preocupación: alimentarse. El propietario es un peculiar carnicero que tiene su establecimiento en los bajos del bloque.

Hartos de pasar hambre, los inquilinos deciden liquidar a todo iluso que acepta trabajar en el edificio haciendo chapuzas varias, convirtiéndose, rápidamente en bistec a manos del despiadado carnicero local. 

Allí entonces llega un nuevo inquilino que trabaja en el circo y que alterará la vida de la excéntrica comunidad que lo habita.

Antes de ver la película sabía que iba a ser una película rara, paranoica y original. 

He de admitir que no siento una profunda admiración por el cineasta Jean Pierre Jeunet, ni por esa rama vitalista, colorida, y ensoñadora del actual cine francés, pese, y lo digo sinceramente, a valorar la originalidad, inventiva y creatividad de sus creadores.

Esta película no tiene parangón, te sumerge en otro mundo; eso sí, en un mundo de atmósfera cargada, irritante, hastiante, y ante todo, frustrante. Todo, menos el protagonista, es excéntrico, y digo más, en ocasiones esperpéntico.

Delicatessen" nos sitúa en un extraño paraje derruido de un lugar no específico y una época aún menos concreta de la Francia que todos conocemos, aún así se intuye a primer golpe de vista el marco post-apocalíptico que rodea a la historia que se nos va a contar. 

Un universo excéntrico lleno de pequeños detalles, colores vivos y una exquisita colección de sonidos. Una fantástica mezcla de géneros (ciencia ficción postapocalíptica, comedia negra y romance). Los personajes parecen sacados de un cómic, cada uno muy caricaturizado y con una personalidad rebosante.

Son grotescos, repugnantes y, para mi gusto, demasiado cómic-os. Simplemente no puedes congeniar con ellos, lo que estas presenciando es un cuento, una historia sin moraleja, demasiado rara.

Lo peor es quizá la historia... algo plana para mi gusto, intercalando momentos prodigiosos (la escena del baño inundado, los trucos de magia, las alcantarillas...) con otros algo menos llamativos. 


Jean-Pierre Jeunet siempre sorprende con su magia y su manera tan especial de hacer cine. Esta comedia negra no sólo te hace reír sino que te atrapa con sus rarezas geniales. 





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La Ley del Silencio (1954): Historia de una redención moral




Johnny Friendly (Lee J Cobb), el jefe del sindicato portuario, utiliza métodos mafiosos para controlar y explotar a los estibadores de los muelles neoyorquinos. Terry Malloy (Marlon Brando), un boxeador fracasado que trabaja para él, se ha visto involuntariamente implicado en uno de sus crímenes.

Cuando Malloy conoce a Edie Doyle (Eva Marie Saint), hermana de una víctima de Friendly, se produce en él una profunda transformación moral que lo lleva a arrepentirse de su vida pasada. A través de Edie conoce al padre Barrie (Karl Malden), que trata de animarlo para que acuda a los tribunales y cuente todo lo que sabe. 

En los años treinta el director Elia Kazan estuvo relacionado con sectores de la izquierda de Estados Unidos y perteneció al Partido Comunista. 

Años después, en la década de los cincuenta, Kazan delató a muchos de sus compañeros que, como él, habían formado parte de las filas comunistas, condenando a éstos al ostracismo profesional.

Esto siempre estigmatizó a Kazan, ya que los comentarios que se hacían sobre sus películas no se ceñían a lo cinematográfico, un poco a semejanza a lo que le ocurrió a Leni Riefensthal.
En La ley del silencio, Kazan pretende justificar su actitud ante la caza de brujas, pero solo consigue subrayar lo que tiene de mezquina, por lo que será mejor atenerse a la película en si, y cabe decir que es excelente, llena de fuerza. 

Marlon Brando hace un papel de hombre fracasado, sin identidad, sin personalidad, que se ve en la hora de tomar, posiblemente por primera vez en su vida, una decisión difícil y que afecta a muchas personas queridas.

Y lo hace francamente bien. Karl Malden y el resto del reparto acompañan muy bien, especialmente el primero. Tristemente, ella (Eva Marie Saint), para mí lo peor de la película, sobre-actúa y además de forma poco creíble. 

Mientras el protagonista recibe presiones por uno y otro lado, el resto de trabajadores del muelle es visto como una masa informe, sin voluntad, muy voluble y de fácil manejo. 

Los pocos personajes que sobresalen en medio de esa masa gris y poco combativa, gira alrededor del protagonista.

Desde Eddie (Eve Marie Saint), su novia, el padre Barry (Karl Malden) que ejerce de voz de su propia conciencia, su hermano (Rod Steiger), y el jefe del sindicato (Lee J. Cobb).

Cada vez que vuelvo a ver esta película, me encuentro con que tiene una completa vigencia, sobre todo por su intensidad dramática y por la vigencia de los tópicos que aborda. 

Este filme de Elia Kazan narra cómo se va transformando la sociedad norteamericana de cuenta de los trabajos que se realizan en los puertos: cada vez hay menos empleo; y el que hay está dado por una mafia con el nombre de sindicato que cumple sus normas bajo cláusulas de amenazas y silencio. La muerte rodea a quienes se le enfrenten.

Es una buena película, tanto por lo que la ambienta como por el desarrollo, y guarda la esperanza de ser, como suele ser en Kazan, una denuncia sobre la sociedad actual, la familia, la amistad y las políticas de la economía que nos tocó.





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