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Pena de Muerte (1995): ¿Hasta qué punto se debe perdonar?


Matthew Poncelet (Sean Penn), un hombre condenado a la pena capital por el asesinato de dos adolescentes, reclama desde la prisión la ayuda de la hermana Helen Prejean (Susan Sarandon).

Durante la semana anterior a la ejecución, Helen intentará que Matthew consiga la absolución y la paz espiritual. Sin embargo, a la hermana Helen no sólo le angustia la espantosa agonía del condenado, sino también el dolor de las familias de las víctimas.

El actor Tim Robbins dirige y escribe esta película basada en un hecho real, que consta en el libro autobiográfico de la hermana Helen Prejean, en el que plasma sus vivencias y experiencias sobre la pena capital.

Este drama, nos pone a reflexionar sobre las conductas humanas y a la vez nos inserta en diversas cuestiones socio culturales. No es una cinta fácil, puesto que trata uno de los temas más controvertidos y discutidos de nuestro tiempo; la pena de muerte.

Tim Robbins tiene una ideología clara que no se molesta en ocultar, pero en esta película no juzga a ninguno de los personajes.

Por eso, no estoy para nada de acuerdo con los que dicen que la película peca de ser parcial; creo que deja que el espectador saque sus propias conclusiones, a través de diferentes puntos de vista; el del acusado, de su propia familia o de las víctimas. 

Que la película intente mostrarte que la pena de muerte está "bien" o "mal", eso ya lo decide el espectador.

La intención de Tim Robbins es mostrar a dos seres humanos distintos, en una situación en que se pondrán en juego sus valores.

Susan Sarandon interpreta de forma magistral, en uno de sus mejores papeles a una mujer valiente, luchadora, bondadosa y comprometida con la "inocencia" del presunto asesino. 

Es esa valentía lo que puede hacer llevarnos a pensar que estemos ante un personaje controvertido. ¿Debe la monja involucrarse tanto con un ser miserable?

Por otro lado el personaje magnificamente perfilado e interpretado por Penn nos deja otra reflexión. Y es, que toda persona tiene su lado más humano, hasta cualquier ser despreciable tiene sus momentos de arrepentimiento, al menos eso nos deja ver Robbins con su acertada dirección.


Recomendable por su dirección, guion, actuaciones, fotografía, música, montaje, planos, vestuarios y narrativa que hacen de Pena de muerte, uno de esos films que impactan al público, independientemente de si están a favor o no, de la pena capital.






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Ghost in the Shell (1995): ¿Cuando un humano deja de serlo?


Un filme de animación dirigido por el cineasta japonés Mamoru Oshii, y recogido directamente de un manga homónimo de Masamune Shirow.

Estamos hablando de su película más reconocida internacionalmente y, además, de uno de los animes más laureados y queridos en Japón, un país donde el género steampunk y las obras de ciencia ficción en general pegaron muy fuerte hace unas décadas, sobre todo en lo que al anime respecta.

Ghost in the Shell tiene el privilegio de ser, para idiosincrasia japonesa, una de las mejores películas de animación que se hayan filmado jamás allí, título que comparte con Akira (1988). Hablar de esta película, es hablar de una de las obras cumbres de la animación,del cyberpunk y la ciencia ficción.

A grandes rasgos, nos encontramos aquí con un mundo, donde la frontera entre humanos y robots es casi nula.

Una sociedad compuesta por humanos “naturales” (con nulos o casi nulos cambios), robots y los cyborgs (combinación de ambos).

De pronto aparece un misterioso personaje llamado el Maestro de Marionetas, que se dedica a hackear “almas” (espíritus, fantasmas, mentes…) con intenciones cyberterroristas, aunque en realidad, nadie sabe muy bien qué es lo que busca.

La sección 9, un cuerpo especial de seguridad formado por humanos modificados (para entendernos: cyborgs) se encargará de investigar al terrorista y detenerlo.

El argumento como vemos, es tan llamativo como difícil de digerir; resulta fascinante por sus inquietudes y planteamientos metafísicos sobre la conciencia y el espíritu humano, que llevan a formularse interrogantes como si es posible emularlos, (y de serlo, implantarlos en cyborgs). Todo indica que en el futuro en que se desarrolla la película, el año 2029, sí lo será.

La temática en torno a la inteligencia artificial, quizá no sea por completo original (ya hay más de una película que trata el tema), pero aporta seriedad y cierto mensaje sobre el devenir robótico del Hombre.

En este sentido, es plenamente vigente a pesar de los más de veinte años transcurridos y de hecho la inundación tecnológica que aquí se prevé ha resultado completamente cierta.

La película no es llevadera ni fácil de ver, precisamente. 

Conviene estar bien despierto, y preferiblemente, sin interrupciones, hasta el punto en el que la historia se te sujete y no puedas soltarte.

La riqueza del film en las ideas que aborda, lo hace de inmediato digna de ser considerada de culto. Y no es de extrañarse que se consolidara como un estandarte dentro de la ciencia ficción.

Si al espectador le gusta la ciencia-ficción introspectiva y ambigua (más de leer entre líneas que de dejar las cosas claras) le fascinará esta historia.

Es difícil explicar cómo es Ghost in the Shell como película, sin entrar en cuestiones filosóficas. Ya que la potencia de la película es precisamente su capacidad, para hacer que el espectador se plantee la pregunta más simple dentro de la trama, pero también la más difícil de responder: ¿cuándo un humano deja de serlo?








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Salvar al soldado Ryan (1998): La crueldad de la guerra



Segunda Guerra Mundial (1939-1945). Tras el desembarco de los Aliados en Normandía, a un grupo de soldados americanos se le encomienda una peligrosa misión: poner a salvo al soldado James Ryan.

Los hombres de la patrulla del capitán John Miller deben arriesgar sus vidas para encontrar a este soldado, cuyos tres hermanos han muerto en la guerra. Lo único que se sabe del soldado Ryan es que se lanzó con su escuadrón de paracaidistas detrás de las líneas enemigas.

La Segunda Guerra Mundial, es una época de nuestra historia, que ha generado muchas relatos que contar. 

Sobre todo historias, que son adornadas con un heroísmo y entrega, que no vemos tan asiduamente en otras guerras.

Los soldados debían luchar donde se les enviara, con la certeza de que podrían morir en cualquier frente de batalla. Es como si la gente en aquella época estuviera hecha de otra pasta y eso lo aceptemos de forma natural.

Poco se puede decir ya de Spielberg y poco se puede decir de esta auténtica obra maestra, y es que nunca hasta entonces, y todavía a día de hoy, se ha dirigido de una manera tan nítida y transparente el mundo de la guerra.

La muerte, la destrucción, la barbarie y la mutilación son representadas de una manera espectacular y cercana, fascinando e incomodando a partes iguales.

Steven Spielberg no escatima recursos para mostrarnos lo duro que fue esta guerra; como hizo sufrir a los soldados física y psicológicamente. Un fragmento de la película espectacular y que no deja indiferente a nadie.

Pero no todo son combates sanguinarios; la duda moral que plantea la misión principal, planea entre los integrantes del grupo. Dando así oportunidad para construir mayor dramatismo y generar incertidumbre; que el director sabe explotar muy bien a su favor.

Para mí, lo más importante que plantea esta película es el término de "rentabilidad humana" en una guerra; lo explica el capitán Miller (Tom Hanks). 

En una guerra, la muerte de un soldado tiene que servir para salvar y asegurar la vida de varios soldados, y para que la compañía o el ejército tome el dominio de una posición e incluso ganar cierta batalla y la guerra finalmente. Ese es el coste de la inversión en una guerra.

En esta película ocurre todo lo contrario. Varios soldados tienen que arriesgar su vida para salvar sólo a uno. 

Es una situación excepcional casi impensable en una guerra, pero al parecer ocurrió de verdad puesto que la historia, se basa en un hecho real.

La interpretación de Tom Hanks es excelente. Merecía la nominación al Oscar, incluso teniendo en cuenta quien la ganó, no hubiese estado de más concedérselo a él.
Aun siendo el claro protagonista, tampoco ensombrece el trabajo de los demás actores que le siguen.

Como la mayoría de las cintas de Spielberg, el sentido del espectáculo está muy logrado; quizás el argumento sea demasiado rebuscado y haya un exceso de sentimentalismo; algo habitual en muchas de sus películas.

Aunque en definitiva, si se desea ver una película bélica moderna, esta para mí es un gran ejemplo de ello.








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Titanic (1997): El naufragio más famoso de la historia



Jack (DiCaprio), un joven artista, gana en una partida de cartas un pasaje para viajar a América en el Titanic, el transatlántico más grande y seguro jamás construido.

A bordo conoce a Rose (Kate Winslet), una joven de una buena familia venida a menos que va a contraer un matrimonio de conveniencia con Cal (Billy Zane), un millonario engreído a quien sólo interesa el prestigioso apellido de su prometida. 

Sin ninguna duda, es una de las películas que más éxito cultivo en la década de los años noventa, un éxito cinematográfico que logro 11 premios Oscars y una cantidad muy elevada de seguidores fieles, que no dejan de verla cada vez que pueden.

Por otro lado James Cameron no dejo lugar a dudas, ya que con el elevado presupuesto que manejaba (construyo un barco real para el rodaje), logro hacer un producto altamente rentable.

Muchas son las voces a favor, pero no todo iban a ser críticas favorables, todo lo contrario, muchas son las voces que opinan en contra, argumentando que es una historia de amor irreal, demasiado trágico.

Pero lo mejor para poder disfrutarla, es abstraerse de las criticas tanto buenas como malas y lograr obtener una conclusión personal.

A pesar de ser sumamente comercial, la película tiene grandes aspectos que le dan mucho mérito. 

Muy bien hecha, producida y dirigida. Buenas actuaciones, buena banda sonora, buenos efectos: un gran producto.

En el reparto se situaría mi único “pero”. Kate Winslet está magnifica, pasando de la contención exigida a una dama de esa época a la luchadora infatigable de la parte final.

Sin embargo, DiCaprio... Es cierto que enamora, que su presencia en la pantalla llena; pero cuesta llegar a ver en ese “ángel” a un duro chico de la calle; creo que sería mejor un actor con una pinta más golfa (siempre pensé en Brad Pitt).

Los demás secundarios, excelentes en cada una de sus interpretaciones y asombrosamente parecidos, a los personajes reales que existieron. Esa es otra de las virtudes, la reconstrucción fidedigna, extremadamente documentada.

Lo más meritorio es haber rescatado del fondo del mar la conmovedora historia de este naufragio, que aunque ya había sido abordado anteriormente por el cine; para las nuevas generaciones, esta es su primera exposición ante el hundimiento del famoso Titanic.

La trama basada en hechos y testimonios de los sobrevivientes. 

Relata los grandes errores cometidos por la tripulación que conllevaron en el desastre. 

Todo esto complementado con la ficticia historia de amor entre Jack Dawson y Rose Dewitt Bukater, la cual es intensa y apasionante.

El acierto de Cameron está en entrelazar ambas historias, permitiendo ofrecer al público, mucho más que una simple historia de amor sin más.

Esto le lleva a manejar dos películas a un tiempo que se funden como una sola, en un equilibrio perfecto.


Atrapa de principio a fin. Conmovedora e impactante, para visionar más de una vez.






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Un dia de furia (1993): Un mal día lo tiene cualquiera



En Los Ángeles, durante una jornada especialmente agobiante a causa del calor y del colapso del tráfico, de repente, un ciudadano normal se rebela de manera violenta y destructiva contra todo lo que lo rodea.

Bill Foster (Michael Douglas) no es más que un hombre corriente que supera como puede las frustraciones de cada día y que lo único que quiere es regresar a casa.

Profunda y dura crítica al "sueño americano" por dejar al descubierto su parte más amarga y oscura: la de aquellos que fracasan en el intento por alcanzarlo y van comprobando irremediablemente como sus vidas (y hasta su salud mental) se van derrumbando, hasta quedarse como parias en tierra de nadie, como proscritos en el limbo de los apestados del sistema.

Honestamente no esperaba tanto de esta película, pero tiene algo que no sé que es, tal vez esa necesidad que de pronto tenemos, de hacer la justicia por propia mano.

Se nos reflejan las consecuencias de las vidas estresantes hasta la pérdida del control, contada con total sarcasmo, con un estilo tan surrealista que impresiona, llegando a ser una película obscena, explícita y patológica.

Michael Douglas, un actor que no despierta mi devoción, precisamente, aquí hace uno de sus mejores papeles metiéndose en la piel de un inadaptado social con problemas laborales, familiares y, sobre todo, de identidad y autoestima.

Existe un placer secreto en que otra persona canalice todas las frustraciones de la sociedad. Muchos cómicos lo hacen. En la película esto se lleva al extremo, para un mayor impacto dramático. 

El protagonista no es un sociópata, pero ha cruzado la línea, y se ha situado al margen de cualquier autoridad o norma de convivencia.

Obviamente no es un ejemplo a seguir, y ese es el mensaje de la película, pero todos nos hacemos cómplices suyos, pues nos identificamos con las cosas que le pasan en la vida diaria y estresante de las grandes ciudades.

En el otro extremo, un Robert Duvall igualmente afortunado, da vida a un veterano sargento de policía en las horas previas al retiro, cuya vida marital tampoco puede decirse que sea modélica.


No es una obra maestra, pero si que al menos permite reflexionar sobre ciertas injusticias que existen en la sociedad actual y que admitimos como "corderitos". 

La película se deja ver pero tiene un final demasiado esperado que te deja la idea final de que siempre continuarán todas las cosas como están y los que se revelan contra el sistema, no tienen nada que hacer pues ni el sistema ni los ciudadanos que lo componemos, vamos a apoyarles.





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