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Tomates Verdes Fritos (1991): Los Prejuicios del pasado



Evelyn (Kathy Bates), una mujer madura que vive frustrada por su gordura y por la insensibilidad y simpleza de su marido, conoce casualmente en un asilo a Ninny (Jessica Tandy), una anciana que le va contando poco a poco una dramática historia ocurrida en un pequeño pueblo de Alabama.

El relato se hace cada vez más fascinante: gira en torno a la gran amistad entre dos mujeres (Mary Stuart Masterson y Mary-Louise Parker) y al misterioso asesinato del marido de una de ellas.

Tomates verdes fritos adapta la novela de Fannie Flagg y consiguió convertirse en una película muy popular gracias a que la voz corrió deprisa, llevando a la gente al cine. 

A pesar de eso, los admiradores del libro, aunque admiten que es fiel como adaptación, acusan a la película de ser cobarde a la hora de abordar algunos temas, como el racismo o la homosexualidad.

Contada como una sucesión de flash backs, la historia derivará en una alegoría a la rebeldía y la libertad frente a una sociedad opresiva y autoritaria.

Una rebelión contra los prejuicios de un pasado que se ata a la tradición como pretexto para ejercer el control en un entorno cambiante, una sociedad en el que ser o hacer algo diferente es un peligro.

El reparto es un auténtico escándalo. Tenemos tres protagonistas: Kathy Bates, comodísima en el papel de mujer chapada a la antigua que experimenta un cambio impresionante; Jessica Tandy, actriz clásica que sigue conservando el magnetismo de su juventud, convertido ahora en un encanto bárbaro.

Por último Mary Stuart Masterson, icono ochentero que alcanza en “Tomates verdes fritos” el punto más alto en su trabajo, con una labor tan cuidada, que parece estar mostrándonos a una persona real. Lo que ayuda a la película ya que nos encontramos con un relato dentro de otro, y ahí el realismo juega un papel clave.

Mary-Louise Parker está muy correcta en otro de los personajes clave en la "insinuación" de la homosexualidad y del costumbrismo, del sur de los Estados Unidos.

No voy a decir que "Tomates verdes fritos" no sea lo que esperaba que iba a ser. 

Lo siento, pero aparte de sus virtudes sí me parece moralista, un poco manipuladora emocionalmente en algunas escenas, sentimentalista a ratos y un poco edulcoradita. 

Si negase esto me estaría mintiendo y estaría dando una opinión falsa. Me lo parece.

No obstante -y esto es lo que me sorprende-, al cabo de las más de 2 horas que dura el metraje acabo con un extraño y agradable buen sabor de boca. Así que me pregunto por qué.

Quizá sea porque el sentimentalismo, se mezcla con toques de humor encantadores, no sé. Quizá es porque el relato moralista no es recalcitrante -el racismo se toca, pero no se insiste en dar una enseñanza, es bastante realista el retrato que se hace; el machismo se nombra, pero sólo afecta claramente a un personaje; el poder de la amistad es el eje, pero no aburre-.

Quizá lo que ocurre es que el edulcorante tiene partes más naturales que artificiales, hay buen rollo, hay buen ambiente, hay emotividad, y se nota. 

El mérito, lo que valoro y aplaudo, es que, incluso teniendo trazas de todas esas cosas, el buen recuerdo que tendré, el buen sabor que me deja y el buen rato que he pasado no me lo quita nadie. Y eso tengo que decirlo.


Una historia alegre, una historia triste, una historia fuerte.







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Mulholland Drive (2001): Rompecabezas desconcertante




Betty, una joven aspirante a actriz, llega a Los Ángeles para convertirse en estrella de cine y se aloja en el apartamento de su tía. Allí conoce a Rita, una mujer que padece amnesia a causa de un accidente sufrido en Mulholland Drive. Las dos juntas deciden investigar quién es Rita y cómo llegó hasta allí.



Fascinante rareza escrita y dirigida por el inclasificable David Lynch, cuya trama está contada de una manera muy original y puede despistar al más incauto pero no a los que sabemos cómo se las gasta el amigo David Lynch.



Conviene verla más de una vez para darse cuenta, de que al final todas las piezas del rompecabezas encajan perfectamente. 

Se trata de una historia de amor lésbico con celos y asesinatos de por medio, no exenta de humor y jalonada de secuencias made in Lynch.



Lynch nos muestra los sentimientos que se derivan de la ruptura con una pareja, los celos al verla con otro, no poder soportarlo y llevado por esto hacer cosas de las que luego te arrepientes y con las que no puedes vivir.



El argumento da tumbos, los personajes se confunden entre si, nunca sabemos si algo ha ocurrido, va a ocurrir o es sólo temor o deseo. Pero, ¿no pasa eso mismo en nuestras pesadillas?. Hay guiños al cine negro, al policial, al terror, pero lo de menos es la historia.



El propio Lynch ha dado algunas claves de "comprensión", basadas en objetos y situaciones concretas, pero sigo pensando que lo que se pretende es meter al espectador de cabeza y sin remisión en un remolino de sensaciones.


Nos advierte que dejemos de intentar explicarlo todo. Que nos detengamos, pues estamos muy ocupados tratando de encontrar, para todo, una respuesta.

Los actores están todos estupendos, desde la desconocida Laura Elana Harring, hasta Justin Theroux, pasando por la increíble caracterización de Naomi Watts, quizá injustamente olvidada en los Oscars.



Yo creo que es de esas cosas que no se hacen premeditadamente desde el principio sino que se hace al revés, osea, se termina la película y luego se encajan las piezas porque sino es imposible.


¿Qué es lo que busco al ver una película?, pues bien, pueden ser muchas cosas, diversión, alucinación, intriga, interés, aprendizaje, sentimientos, etc… 

No suelo buscar, el resolver un jeroglífico, pero eso es en lo que se basa el argumento de esta historia, en una adivinanza sobre su argumento. 
Es todo un reto intentar descifrar la mente de Lynch, y sacar y compartir tus propias conclusiones.



Mi recomendación a aquellos amantes del cine poco convencional es, sin lugar a duda, que leáis críticas, spoilers incluidos, y sólo si ello invita a vuestra predisposición, os planteéis ver estas 2 horas de película.



Supongo que no es una película para todo tipo de personas, pero por lo menos para un amante de lo raro y poco convencional como yo, si.




 


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El Bosque (2004): Huir del dolor de la vida, alimentando los miedos




La historia nos introduce en una pequeña aldea en medio de un espeso bosque, que se remonta a finales del siglo XIX. Los pobladores viven en armonía en un entorno idílico. Sin embargo, esta comunidad vive con el aterrador conocimiento de que una serie de criaturas vive en el bosque que los rodea, señaladas por los moradores como “Aquellos de quienes no hablamos”.

Los pobladores comparten el miedo a la animadversión y a la fuerza que se presiente acecha afuera. Tan aterradora que nadie se atreve a aventurarse más allá del bosque. 

A pesar de los consejos de sus mayores, un curioso y decidido Lucius Hunt (Joaquin Phoenix) tiene el ardiente deseo de ir más allá de los límites del pueblo y hacia lo desconocido.

El líder del pueblo, Edward Walker (William Hurt) le advierte a Lucius del peligro que existe en las afueras de la ciudad, y la madre de Lucius, Alice Hunt (Sigourney Weaver) le aconseja que permanezca en su hogar y se olvide de la avaricia y de los deseos que existen en el mundo de afuera.

La fuerza de Lucius es igualada solamente por Ivy Walker (Bryce Dallas Howard), una hermosa, fascinante y joven mujer ciega con una inusual sabiduría que va más allá de su edad.

La siniestra presencia de lo desconocido se convierte en un caos para el pueblo, con la valentía propia siendo lo único que los puede salvar. La tregua entre el pueblo y las criaturas irá llegando a su fin.

Para mí M. Night Shyamalan no es un mal director, pero como creador de historias tengo mis dudas, porque sabe crear un ambiente (en este caso una armonía perceptible, sedante) y la situación, pero no sabe resolver con firmeza el entramado creado.

En este caso, consigue alejarse de los tópicos del cine terror para profundizar más en el sentimiento del miedo. 

Es un film cargado de dobles significados, y el director te reta a prestar atención a todo lo largo del film, ya que las cosas no son lo que parecen.

La primera parte, en mi opinión, puede resultar algo soporífera, pero es necesario tener paciencia para llegar a la segunda parte, donde comienza a tener sentido la historia.

El desarrollo posee una estructura inteligente, que inserta las revelaciones del modo más sorpresivo posible; y así, en un primer visionado, resulta genial y fascinante.

Mas no deja de ser cierto, que dicha estructura, es un tanto tramposa.
Y vista luego por segunda vez, con toda conciencia, la historia pierde ese factor.

El director, observo, se empeña en dotar a todo su reparto de un sentimiento de austeridad, de cierta parsimonia, aspereza... es un buen intento de dotarlos de un aura enigmática y libre. Todos los intérpretes cumplen con su papel; tanto William Hurt, Joaquin Phoenix o Sigourney Weaver. 

Aunque si hay que destacar a alguien, es a Bryce Dallas Howard. Su etérea belleza, su externa fragilidad, y su sensibilidad y valiente carácter, traspasa toda atmósfera.

En general, las personas que se han sentido decepcionadas por esta película es porque esperaban un film de terror, algo "light", para verse y desecharse. 

Parte de la culpa la tuvo una campaña publicitaria engañosa, en la que se daba a entender que era una película de terror, cuando no es así.

Entiendo el mosqueo de esa gente, pero es que no veo de qué otra manera podía el director atraer al público a los cines. 

Además, superada la decepción inicial, que yo mismo sentí como todo hijo de vecino, hay que reconocer que el desarrollo e interés de la trama sube hasta llegar a su conclusión.

¿Qué es tramposa? Sí, vale, lo es, pero es que de eso se trata precisamente.

No es que “El bosque” sea una mala película, pero creo que se le podía haber sacado mucho más jugo. Resulta algo irregular tanto en su acabado como en su mezcla de drama y toques fantásticos.
En realidad se trata de una alegoría sobre el bien y el mal, el poder reparador del amor, el peligro de aislarse de la realidad construyendo un mundo mejor...

Es una fábula de lo que podría ser cualquier sociedad influenciada por nuestros dirigentes y por una opinión pública que hacen que creas lo que ellos quieren y en la cual, a veces se sacrifican vidas por no destapar ciertos asuntos.








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La Última Noche (2002): Examen de Conciencia



Ésta es una lección moral, un canto a la vida y una cruel visión de que no todos tienen segundas oportunidades (aunque las merezcan).

¿Cómo puedes afrontar tu último día y tu última noche en la calle si sabes que al día siguiente serás encerrado durante siete años?

Ésta es la pregunta que ronda por la cabeza de Monty Brogan, un camello que ha sido vendido a la policía por alguien de su círculo de confianza, tras años y años de vivir a cuerpo de rey.

Monty tiene un turbio pasado con unos socios rusos y en una inspección en su casa encuentran "casualmente" varios kilos de droga. 

Será entonces cuando salten las dudas sobre quién ha sido el chivato; puede tratarse de su novia, sus amigos de la infancia o cualquiera relacionado con el negocio.

Así narrará lo que será su último día en Nueva York antes de entrar en la cárcel.

Nuestro protagonista minuto a minuto, muestra su tormento, angustia y desesperación, ante aquello que es inevitable y que al mismo tiempo le consume, le asusta... tratando de redimir sus pecados, desesperado, en busca de respuestas y hechos que cambien su destino.

Edward Norton borda el papel protagonista, casi podría decir que su mejor interpretación.
Descubrí al actor Philip Seymour Hoffman en este papel, como Jacob, un tímido profesor universitario.


Pero fue sobre todo ese Slaughtery, un brillante broker de Wall Street interpretado por Barry Pepper, el que me sedujo, interpretativamente hablando, de forma incisiva y despiadada.

Hace un papel casi tan brillante como el de Norton, como ese broker ambicioso, bello y nihilista pero dispuesto a hacer cualquier cosa por su amigo.
Brian Cox, como el padre de Monty, pone una deliciosa nota melodramática, dejando la película y la historia bien cerradas.


La película tiene momentos destacados, pero los más especiales son sin duda los dos monólogos, especialmente el apoteósico “Fuck You” de Edward Norton-Monty Brogan frente al espejo, uno de los Mejores de la Historia del Cine.

No se puede transmitir más rabia, frustración, asfixia, pasión, miedo y sensibilidad; y esto en apenas cinco minutos,

“La última noche” no es una película fácil y no busca complacer a todo el mundo, eso se nota desde el inicio y creo que eso es digno de ser rescatado.

Engañosamente sencilla, tramposamente trascendente. Al final, nos deja el regusto de haber visto una película redonda y melancólicamente bella, gracias sobre todo a su estupenda banda sonora.







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Olvidate de mi (1999): Eterno amanecer de una mente sin recuerdos



Da la sensación, que en lo que respecta al amor en el cine todo esta dicho. Pues no, eso es lo que creía yo antes de ver esta película. Una película extraña pero aún así, con un encanto especial. Quizás sea que trata un tema que a muchos humanos nos apasiona (el recuerdo y la memoria). 

No comparto la opinión de que agrade a las masas, ni muchísimo menos. No se ajusta a ninguna de las plantillas establecidas para las comedias románticas, por eso esta película no es accesible para todos los públicos.


Vamos a ver, ¿borraría yo el doloroso recuerdo de alguna relación nefasta si tuviera ocasión de hacerlo? 

Posiblemente no, porque he sido capaz de convivir sin mayor trauma con esos recuerdos. 

Pero me gusta pensar en la posibilidad de un reseteo, que garantizara comenzar de nuevo desde cero, después de un fracaso sentimental. 

Eso es lo que básicamente plantea la película: como una pareja (Joel y Clementine), después de sus problemas sentimentales y separarse, decide borrar el uno al otro de su memoria, acudiendo a una clínica especializada en borrar recuerdos.

Se cuenta la historia desde el final hasta el principio, desde dentro de la mente de Joel... Se mezcla lo real y lo irreal de una manera genuina, y con un surrealismo genial. 


Partiendo de una idea excepcional, la película se tuerce para mi gusto, en intentar recrear unos personajes demasiado rocambolescos y falsos, en su concepción y creación. 

No obstante, este genial juego de ensoñación dramática, logra crear chispas donde parecía que nunca las habría, entre la pareja protagonista.

Reconozco que Jim Carrey me ha sorprendido; su personaje de Joel es un ser atormentado, tímido, incomprendido, triste por naturaleza y sin embargo vivo y divertido 

Y Kate Winslet está sorprendente como Clementine, su aparentemente pareja perfecta; un personaje entre neurótico, impulsivo, pasional y adorable.

Tampoco tiene desperdicio la historia de los personajes del laboratorio de recuerdos que, gracias al guión, no son meras personas que aparecen en la historia sino que intervienen en él (hablo de los personajes de Mark Ruffalo, Tom Wilkinson, Elijah Wood y Kirsten Dunst).

Al igual que en los videoclips, el director Michel Gondry se encarga de no darnos tregua con una avalancha de información constante. El montaje nos permite ir saltando hacia atrás y hacia adelante en los recuerdos, viendo las dos relaciones en paralelo. 

Si uno se deja llevar y entra en el dinamismo de lo absurdo, se disfruta de la película y bastante. 

La trama es original y el guión es inteligente. Pero la relación de los personajes principales no me parece a veces demasiado creíble, sino más que tormentosa. 

Ellos son dos mundos distintos y apenas tienen nada en común. Reconozco que hay escenas bonitas y muy tiernas. 

Pero a la par también hay escenas ridículas que rozan el absurdo. Su relación parece estar condenada al fracaso, ya que aunque pueden borrarse de la memoria una y mil veces, por mucha pasión que haya, el amor no consiste sólo en eso.

Esta película no es una obra maestra ni tampoco los actores (tanto los principales como los secundarios), hacen unos papeles de Oscar, pero sin duda alguna hacen un trabajo excelente.

Trata sobre la ineludible tendencia a equivocarse del ser humano y sobre el amor que sobrevive más allá de la utópica idea de encontrar a nuestra media naranja. 

No es de extrañar que después de verla uno se replantee la expresión y llegué a pensar que, tal vez, una media naranja no sea aquella que siempre comprenda nuestras neurosis, sino sencillamente aquella sin la que nuestra vida carecería de sentido.











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El Hombre que mató a Liberty Balance (1962): El Ocaso de los héroes



Ransom Stoddard (James Stewart), joven abogado del este, se dirige en diligencia a Shinbone, un pequeño pueblo del Oeste, para ejercer la abogacía e imponer la ley.

Shinbone es un pueblo en el que la violencia es la única ley que impera, y nadie cree que las cosas vayan a cambiar: existe demasiado temor y faltan referentes morales, con una conducta que inspire una verdadera voluntad de cambio.

El único capaz de mantener a raya al villano local, Liberty Valence, en este aterrado pueblo es Tom Doniphon (John Wayne), un tipo aún más duro que él... y más diestro en el manejo de las armas.

Frente al poder de los puños y las pistolas, la llegada de Ransom Stoddard a Shinbone representa un soplo de aire renovado, que puede marcar el declive del antiguo modo de vida del Oeste norteamericano y la llegada de los nuevos tiempos; sin embargo, para poder establecerse este nuevo modelo de sociedad, hace falta acabar con el antiguo 'way of life'... por las buenas o por las malas.

Estupendo western, con una visión alejada de los típicos estereotipos del género: aquí no se idealiza ni el tipo de sociedad ni a sus personajes, simplemente se recrea un momento de la historia de los EE.UU.

La llegada del ferrocarril, implica la asimilación del sometimiento a las leyes, la protección de la propiedad privada, la participación en los comicios electorales... y el final del terror impuesto por las pistolas, el pillaje y el caciquismo.

James Stewart es el protagonista absoluto, pero John Wayne le roba el protagonismo con una soberbia y atípica, e incluso yo calificaría como sombría su interpretación.

Es el claro perdedor de la historia, queda a la sombra frente al cobarde Ransom Stoddard (Stewart), que no es valeroso, pero si humilde y trabajador.

Los malos son de capa baja (Lee Marvin sobre todo y Lee Van Cleef), nada nuevo que aportar al género, pero se ve que ya las armas tienen poco que aportar al oeste, es la palabra lo que mueve el mundo.

El experto director de westerns John Ford, consolidó con esta película un testamento inmejorable. Sorprende con un relato crepuscular acerca de la caída del salvaje oeste, con todo lo bueno y todo lo malo, frente a la imparable civilización.

La película es ante todo, una defensa (simple pero efectiva) de los hombres buenos frente a los dictadores, de los pobres frente a los ricos, de la democracia frente a la dictadura. Nos ofrece sencillas clases de democracia. Un western adelantado a su tiempo, con algo de demagogia perdonable.

Sería pretencioso, intentar añadir algo más a todo lo que se ha escrito ya sobre esta película.

Así que intentaré terminar de forma escueta; para mí estamos ante un western "enciclopédico", en el sentido de todo lo que enseña acerca de la vida, el honor, el amor, la ley, la libertad de prensa, la historia y más cosas.

Suele decirse que el western como tal murió con esta película, que transgrede los propios códigos del género. 

Realmente se puede decir que John Ford reinventó este género, otros directores siguieron sus pasos y sus reglas establecidas (Raoul Walsh, Hawks y Mann).

Otros a partir de su legado, ofrecieron otros puntos de vista (Leone, Arthur Penn y Pekinpah) y modernizaron el género. Pero él no dejó de reinventarse y a finales de su carrera, ciertas obras ofrecieron nuevos ideas y más frescura al género.

Verdaderamente es cierto, con esta absoluta obra maestra.





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